La presencia de la comida en la historia del arte es innegable. Desde sus representaciones en bodegones barrocos, llenos de platos de caza y hogazas de óleo, hasta los años 60 del siglo XX, década en la que las feministas utilizaban la comida y el acto de cocinar como elementos cargados de significado social y cultural. Hoy en día muchos artistas recurren a ella para generar reacciones y experiencias sensoriales en los espectadores, que en muchos casos tienen que intervenir, cortar, limpiar y comer la obra expuesta para completarla.
Jennifer Rubell estudió Bellas Artes en Harvard. Tras su formación pasó por el Instituto Culinario de América y durante años escribió sobre comida en el Miami Herald y Domino Magazine. Como artista, ha utilizado la comida como un medio más dentro de su extensa carrera. Una de sus creaciones más potentes es ICONS (2009), un banquete construido bajo la consigna Mata a tus ídolos. De hecho, Rubell los sirvió en una fastuosa cena-instalación en el Museo de Brooklyn, donde cada plato hacía referencia a piezas y autores que han tenido influencia en su trabajo.
Cuadros líquidos y bebibles en homenaje a Pollock; fuentes de champán que recordaban a Duchamp; salsas servidas en tubos de pintura, como en Painter, de Paul McCArthy; reproducciones de la cabeza de la propia Rubell hechas de queso fontina que caía derretido sobre una pila de galletas saladas. Antes de llegar a los primeros, los afortunados asistentes ya habían probado el dadaísmo, el expresionismo abstracto, el minimalismo, el post-modernismo y la performance.
El plato fuerte fue un festín de montañas de ensaladas, focaccias de tamaño desproporcionado, pavos asados, ternera y liebre. Todo esto inspirado en How to Explain Pictures to a Dead Hare, de Joseph Beuys. Y como colofón, el postre se encontraba dentro de una piñata de 6 metros de altura con la forma de la cabeza de Andy Warhol. Piñata que los invitados destrozaron sin piedad. No tenemos muy claro si el maestro del pop se revolvería en su tumba o por el contrario se emocionaría extasiado.
De Brooklyn nos vamos a Sidney para ver Sugar, Sugar (2013), una exposición colectiva comisariada por Megan Fizell para la Galería Brenda Mayen. En ella diez mujeres presentaban trabajos en los que el azúcar debía ser el material principal. La muestra jugaba con la idea de ser goloso y los subidones de azúcar. Entre todas, la pieza que mejor representaba este concepto fue Goosebumps (algo así como “piel de gallina”), de Elizabeth Willing: un panel de 7 metros de alto con bultos en relieve que escondían galletas y que el público estaba invitado a encontrar.
La búsqueda de los asistentes de algo de alimento nos recuerda que el ser humano está programado para encontrar dos elementos necesarios para su supervivencia, pero extremadamente escasos en la naturaleza: grasa y azúcar. No era precisamente el caso en esta galería y tampoco era la primera vez que Willing utiliza un muro como lienzo en sus creaciones efímeras.
A mitad de la tarde del día de la inauguración su panel aparecía todo mordisqueado y la mitad de las galletas habían desaparecido. En parte, Goosebumps estaba inspirada en el cuento de Hansel y Gretel y la fantasía infantil de devorar una casa de caramelo, aunque luego la bruja esté dentro esperándonos para asustarnos y ponernos la piel de gallina.
Estas propuestas de participación nos llevan a un nuevo tipo de arte interactivo, en el que la propia obra pasa a formar parte de nosotros. Por fin podemos comer arte, alimentarnos de él. ¿Pero qué pasa con ese famoso valor o cualidad aurática mientras el arte recorre nuestro sistema digestivo, incorporándose finalmente a nuestras células? Habrá que probar para saberlo. |
