Más allá del mobiliario, más allá de los objetos, más allá de las fiestas —oficiales y clandestinas—, más allá incluso del bar Basso, la Milan Design Week 2019 es un laboratorio de espacios. Durante la semana del Salone MIlano, en el contexto del Fuorisalone almacenes, hangares, locales, showrooms y naves industriales se convierten en un campo de pruebas. Materiales sofisticados, tecnologías avanzadas, soportes digitales o conceptos escultóricos sirven para crear nuevas formas de interiorismo y, a la vez, para dar una dimensión experiencial a las empresas que las sustentan. En definitiva, investigación interiorista y marketing global conectados en un punto. Lo que confirma el mantra contemporáneo: los grandes poetas y artistas actuales desarrollan sus talentos en agencias de publicidad o estudios de diseño.
De la forma a la materia
Nuestro recorrido por la ciudad italiana comienza en Ventura Centrale: antiguos viaductos bajo las vías de la estación central convertidos durante la Feria en áreas expositivas. En una de sus naves abovedadas se levantó un pasillo de 25 metros de largo y 6 de alto. Raytrace, así se llama la instalación, está totalmente construida con Dekton, la gran apuesta de la firma española Cosentino: un ultracompacto de alta resistencia en el que se mezclan componentes encontrados en el cristal o en el porcelánico.
Su autor, el británico Benjamin Hubert, del estudio Layer, nos propone una intervención conceptual que pretende generar una experiencia pausada y casi hipnótica. Un juego de iluminación emocionalmente estudiado, que se inspira en el reflejo de la luz natural en el agua y en los procesos industriales por los que se obtiene el Dekton. “Lo que hace a Raytrace tan diferente y tan emotivo es que no es un objeto, no es una cosa, sino que es una sensación, una atmósfera”, explica Benjamin. “En un lugar tan caótico y con tanta gente como la Feria, Raytrace es un área de escape, de contemplación, reflexión e incluso relax”.
Y mucho de contemplación tiene también lo que Snarkitecture ha desarrollado para Laufen. El monocromatismo que tanto adora el equipo neoyorquino protagoniza esta instalación, donde se ha apostado por una brusca transición del origen al producto. De lo que es a lo que puede llegar a ser. Una enorme pieza de arcilla sin trabajar nos conduce visualmente a una montaña de lavabos cerámicos de la marca suiza. Dos paisajes separados por un camino que sirve de tránsito al visitante y que, además, funciona como nexo conceptual. Una manera de expresar el origen de la compañía y de dar forma escénica a sus procesos industriales. Y es que la belleza de lo que un material puede llegar a desarrollar, en ocasiones solo es visible para los ojos de un creativo.
Interiorismos performativos
Casi 40 nombres austriacos convirtieron la Sala Real de la Casa Real de Saboya en una auténtica “piscina de diseño”. O al menos así lo han definido Michael Vasku y Andreas Klug, arquitectos del proyecto. Austrian Design: Pleasure & Treasure es una propuesta escenográfica que solidifica el espacio —o casi— para mostrar el mejor mobiliario y los detalles decorativos made in Austria.
En línea con algunos experimentos llevados a cabo por equipos como los anteriormente citados Snarkitecture, Vasku y Klug dieron forma a la idea que recorre toda la exposición y sobre la que se sustentan —o flotan— los trabajos de los creadores: un mar blanco de espuma biodegradable con olas rosas que hemos de atravesar. Visto desde fuera, Pleasure and Treasure evoca también a las casas de muñecas con las que jugábamos cuando éramos niños. En ellas, como en la la Sala Real, todo ha sido invadida por nuevos objetos para que el contraste de épocas haga resaltar aún más las piezas exhibidas.
Nos apasiona esta disparidad, el choque cultural de dos momentos estéticos diferentes. Cómo se integran —y en ocasiones cómo se fusionan— materiales antagonistas y cómo un lugar puede ser reformulado con una intervención posterior. Por eso el Pabellón Eco de los proyectistas chilenos Pezo Von Ellrichshausen es otro de nuestros favoritos de la semana de Milán.
Se colocó una escultura de espejo de dimensiones brutalistas en el patio del Palazzo Litta de Milán, propiciando así una visión distorsionada de la arquitectura barroca con la que se enfrenta. Un punto de vista que evoluciona según el sitio en el que nos coloquemos, y que nos cambia la percepción de lo que nos rodea. “Queríamos hacer algo que fuera imponente pero, al mismo tiempo, muy humilde, invisible”, asegura Mauricio Pezo. “Todo se basa en la estructura previa, las proporciones, el tamaño y el ángulo de apertura. Todo se relaciona con el edificio existente.”
Milán ex machine
De perspectiva y proporción habla también la pieza Come to light, de Luca Moreni y Roberto de Zorzi de Aria. Expuesta en Ventura Centrale, esta instalación sensorial está realizada con tubulares de luz que cambian de color en conexión completa con la música. “Nuestra percepción es tan personal y está tan condicionada por nuestro estado anímico, que supone una experiencia casi onírica”.
En esta línea de tecnología y espacio, damos con la primera acción de Rapt Studio en la Feria de Milán. Una exposición interactiva que, tal y como ellos la definen, “explora la intersección entre el lugar y la conexión emocional”. Tell me more nos invita a interactuar de manera individual con los escenarios elaborados mediante cortinas luminiscentes. Antes de pasar a la siguiente área, respondes una pregunta y dejas otra escrita para el próximo visitante. Una estrategia para hablar con los que nos rodean y romper el hielo de un modo fluido. Resulta casi imposible entender esta intervención y no formar parte de ella.
De dentro hacia dentro
El artista surcoreano Kwangho Lee y el equipo danés de Wang & Söderström han colaborado en Tides. Patrocinada por Noroo —compañía coreana de pinturas que investiga las tendencias del color en diseño, arte y cultura—, Tides es un trabajo que habla de la relación entre la Luna, la Tierra y el Sol. Su planteamiento gira alrededor de un paisaje submarino que nos ofrece la posibilidad de observar cómo se comporta el fondo del mar en función de la Luna y, por consiguiente, de las mareas; cómo el paso del tiempo va dejando su huella capa a capa en diferentes superficies o cómo, una vez más, el movimiento del Sol influye en el entorno. Todo ello modelado en un estudiado lenguaje cromático —lo que la compañía llama “colores fluidos”— que facilita la interactuación con formas y texturas.
Desde una perspectiva más cercana al hábitat, In Scena, de la firma Paola Lenti, habla del interiorismo como un ejercicio de conjunto y no como un conjunto de disciplinas independientes. Arquitectura, cerámica, metal, tejidos, decoración o maderas son los soportes con los que Paola Lenti crea un unificado discurso narrativo que se ejemplifica en diferentes estancias: salones, comedores o lugares destinados al descanso. Una apuesta que desde la sofisticación nos ayuda a tener una visión más equilibrada y certera de lo que es realmente el diseño de interiores.
Nendo. Categoría en sí mismo
Por mucho que uno lo intente, si se visita Milán es imposible no hablar de Nendo. En esta edición, dos han sido las acciones de este estudio nipón: la instalación Shape of Gravity para la colección Melt de Wonderglass y la instalación Breeze of Light para Daikin. Melt se muestra sobre una pasarela retroiluminada, una ambientación teatral para exhibir este mobiliario de vidrio fundido: sillas, sillones, chaise longue o mesas de comedor, cuyas bases tienen forma de U debido a los efectos de la gravedad en el materia.
De la mano de la empresa de climatización Daikin, Nendo nos sorprende de nuevo con Breeze of light, una escenografía donde su fundador —Oki Sato— hace visible el aire y nos propone, además, una nueva manera de experimentarlo. Se trata de un jardín virtual compuesto por 17000 películas polarizadas en forma de flor y 115 focos de luz controlados de modo individual. La interacción tecnológica de la iluminación consigue que el cambio de intensidad de las sombras creadas por las flores produzca la sensación de una brisa. Una brisa sin movimiento, solamente visual. Lo que nos ayuda a entender la idea de “aire invisible”, tan de Daikin, y que nos hace admirar las capacidades de Nendo para convertir un concepto comercial en una pequeña obra de arte. |
